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Diseño Archives • Ar3D

Videotutoriales de efectos gráficos

By | Adobe, After Effects, Diseño, Diseño Gráfico, Efectos, Efectos Artísticos, Herramientas, Photoshop, Premiere, Resolver Dudas, Videotutoriales | No hay comentarios

Cada vez más, la formación se nutre de diferentes herramientas digitales para conseguir que el alumno domine una aplicación concreta. El mundo del diseño gráfico es quizás el más empleado en este sentido. Seguramente por ese condicionante ‘moderno’ que se le atribuye. Hace unos años los libros marcaban la pauta a la hora de mostrar a alguien el camino para poder desarrollar nuevas habilidades. En cambio, ahora los videotutoriales se han quedado mucho de ese protagonismo. Gracias, en parte, a su practicidad para mostrar los pasos a seguir. Explican con bastante exactitud las funciones de los programas de diseño y resuelven dudas.

Videotutoriales de Photoshop

Adobe no ha sido ajeno a este fenómeno. Desde 2013 iniciaron una serie de publicaciones en Youtube sobre uno de sus programas estrella: photoshop. Aquí os dejamos el enlace a su canal de Youtube Photoshop Playbook Season. En él podéis encontrar hasta 5 temporadas repletas de videotutoriales de Photoshop como este:
                                                                                                                 Cómo crear GIF animados

Aunque si el idioma de Shakespeare no termina de sonarte bien del todo, y quieres profundizar más allá de Photoshop, te recomendamos la siguiente inyección para ‘inspirarte’. Desde su canal de Youtube, Creativos Online ha realizado un trabajo descomunal. Reúne 150 vídeos que van desde teorías del mundo del diseño a efectos concretos para ejecutar en After Effects, Photoshop o Premiere. Una colección de tutoriales muy cuidados y con un gran valor didáctico. A continuación te destacamos algunos, pero si te va el mundo del diseño tanto como a nosotros no dejes de pasarte por su canal.

Alternativas a Comic Sans

By | Caracteres, Diseño, Estética, Fuentes, Kerning, Odio, Tipografía, Window 95 | No hay comentarios

Si se realizara una encuesta entre diseñadores de todo el mundo sobre la fuente tipográfica que más odio suscita, sin duda Comic Sans ganaría por goleada.

 La tipografía Comic Sans, creada por Vincent Connare, fue aceptada en el catálogo tipográfico del sistema operativo Window 95. A partir de ese año comienza la irrupción de los ordenadores en los hogares. Por primera vez, millones de personas tenían acceso democrático a escribir con el tipo de letra que quisieran. Comic Sans ofrecía una propuesta más ‘divertida’ frente a las serias Time New Roman o Arial. Entonces ocurrió lo que una vez alguien dijo; ‘democratizar el gusto es matar el arte’. Aunque ¿quién no ha jugado con Paint o hecho carteles con Comic Sans en aquellos años?

Además existe una corriente detractora tan incesante que pareciera que están deseando que surja una noticia realacionada con nuestra tipografía estrella para hablar sólo de eso. En 2010, el jugador de baloncesto LeBron James dejaba Cleveland para fichar por Miami Heat. LeBron anunció esta noticia desde su blog con la fuente Comic Sans. Esta ocurrencia provocó que LeBron James fuese trending topic mundial en Twitter no por su cambio de equipo, sino por haber usado esta tipografía maldita.

Evidentemente usar esta tipografía no convierte por decreto a alguien en mal diseñador. Aunque su puesta en escena debería restringirse a proyectos muy concretos.

Sí es cierto que en Comic Sans el trazado de sus letras luce pesado, lo que resulta poco placentero a la hora de leer textos largos. A esto le sumamos que tampoco resuelve nada bien el espacio entre pares de caracteres (kerning), creando espaciados desequilibrados. Además se trata de una topografía de apariencia infantil. Así que mas allá del odio visceral que por despropósito estético pueda surgerir, Comic Sans no es técnicamente hablando una buena tipografía.

Alternativas a Comic Sans

Todavía son muchas las personas que siguen utilizando esta fuente. Desde nuestro equipo queremos sugerirte algunas fuentes de caracteres similares, y menos dañinas para la vista.

Comic Neue

Delius

Rollerscript

Kosmik

Qarmic Sans

Bradley Hand ITC

Si no eres Responsive no existes

By | Amigabilidad Móvil, Buscador, Diseño web, Dispositivos Móviles, Google +, Navegación, Ranking, Smartphone, Tablet | No hay comentarios

Cada vez más usuarios utilizan sus teléfonos móviles o tabletas para acceder a Internet. En el último estudio realizado por la Asociación para la Investigación de Medios de Comunicación (AIMC), en 2015, se observa que el teléfono móvil es utilizado por el 93,9% de los internautas para acceder a Internet, por delante del ordenador portátil (utilizado por el 76,1%) y el ordenador de sobremesa (71,4%).

Adaptar tu web a otros dispositivos, ya no es una opción. Aquellos sitios web que no estén adaptados a móviles smartphones o tablets tienen fecha de caducidad. A partir del 21 de abril Google penalizará la web sin diseño responsive en los resultados de búsqueda.

El comunicado original de Google destaca que la “amigabilidad móvil” tendrá un peso clave en el posicionamiento del ranking. Lo que queda claro es que si tienes una web, blog o tienda online deberás adaptarla a un diseño responsive para sobrevivir al nuevo protocolo de búsqueda.r

¿Cómo afecta a mi empresa?

En el caso de que no tengas una web responsive, tu empresa se verá perjudicada en el posicionamiento orgánico (SEO). Cada vez que alguien busque el sector de tu empresa en Google primero aparecerán aquellas marcas que tengan un diseño responsive y al final del ranking quedarán aquellas que no están adaptadas a la correcta navegación para dispositivos móviles.

Si tu web no tiene un diseño responsive, verás como tus visitas caen, y por tanto también tu volumen de negocio.

¡Comprueba que tu web es responsive!

El propio Google ha puesto a nuestra disposición una herramienta para testar si nuestra web. Introduce aquí la URL de tu página web y verifícalo.

Si tu web no es responsive, ¿a qué estás esperando? No dudes en consultarnos.

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eBooks de Diseño Gráfico Gratis

By | Creación, Diseño Gráfico, eBook, Estilo, Gratuito, Tipografía | No hay comentarios

Nuestro equipo ha seleccionado una serie de eBooks de diseño gráfico gratuitos que creemos igual de interesantes para profesionales expertos en el sector como estudiantes de diseño.

No dudes en dejarnos en el apartado de comentarios si has encontrado otro buen eBooks de diseño gráfico que no aparezca aquí.

Esperamos que los disfrutéis.

PsicoTypo: Psicología Tipográfica” de Jessica Arahonov

Sin duda, un manual que merece una o varias ojeadas. En él se explica la importancia psicológica de la tipografía, y cómo su buen o mal uso puede cambiar el mensaje de una composición gráfica. Además cuenta con una fantástica cronología de la evolución tipográfica, desde la escritura cuneiforme hasta la actualidad.

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>“El estilo suizo y la tipografía de sus carteles” de Juan David Dueñas

Un recorrido magnífico por un estilo que surgió después de la segunda guerra mundial, apostando por un diseño limpio, claro, y simple, de connotaciones minimalista. También nacieron importantes tipografías tan populares como Helvética o Akzident Grotesk.

Pequeño diccionario del diseñador”  por Reimers Design

Este glosario arroja luz a términos de uso común entre los diseñadores gráficos.

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>“Pautas para la creación de la identidad de las revistas de diseño” de Maia Bunge

Proyecto de investigación que analiza diferentes revistas relacionadas con el diseño, centrando su estudio en cuatro de ellas.

Dictadura del diseño” de Carlos Carpintero

¿Quieres introducirte en la mente de un diseñador? Aquí encontrarás respuestas que te van a ayudar a crecer en la profesión.

eBooks Diseño 4

Arquitectura por Impresión 3D

By | Arquitectura, Beneficios, China, Diseño, Impresión 3D, Pioneros, Tecnología | No hay comentarios

Nos gusta hacernos eco de las últimas noticias acerca de lo que parece que va a ser la tercera revolución industrial. Ya dedicamos en este blog una introducción sobre la impresión 3D, y también repasamos su aplicación en la medicina. Ahora queremos fijar la mirada en lo que puede convertirse en una de sus vertientes más exitosa: la impresión 3D en arquitectura.

Hablar de la impresión 3D, independientemente del ámbito donde se emplee, conlleva una reinterpretación del proceso de producción que hasta ese momento se llevaba a cabo. Este cambio centrado en la arquitectura supone una evolución en la optimización estructural, en construir solo lo necesario para funcionar.

“La forma sigue a la función”  Louis Sullivan

La impresión 3D en arquitectura

La impresión 3D en arquitectura no tiene por objetivo imprimir todo el edificio de una vez. Sino la fabricación de diferentes elementos estructurales por separado, para después unirlos en el lugar designado. Hay empresas que ya han iniciado estos métodos de trabajo. Y han obtenido unos resultados bastantes beneficiosos: recorte del 70% de tiempo en levantar un edificio; ahorro de 80% de mano de obra; y 60% en cuestión de materiales.

Las empresas pioneras en usar esta nueva forma de concebir la arquitectura son de origen chino. Y de momento es allí donde compañías como Winsun o Yingchuang New Materials están testando sus posibilidades. Quizás porque la situación demográfica del gigante asiático exige construir muchas viviendas en tiempo récord.

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La estructura de la impresora tiene 6 metros de altura por 10 metros de ancho. Abarca una longitud de 40 metros. La “tinta” con la que imprime es una composición de hormigón formado por residuos de construcción, residuos industriales y otros materiales reciclados. En el compuesto también hay arena; fibra de vidrio (para dotar de cualidades aislantes); y un aditivo de endurecimiento.

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De alguna manera, esta nueva tecnología democratiza la arquitectura, o al menos la lleva a otro nivel. Respecto a la materia ambiental, la revista The Economist comenta que además del avance que supone en el abaratamiento de costes. También es significativa la reducción de una gran parte de los residuos generados. Otros estudios como el de Joshua Pearce, profesor de ingeniería electrónica e informática en la Michigan Technological University,  demuestran cómo fabricando material con una impresora 3D se produce un menor gasto energético. De este modo también se reduce la cantidad de CO2 liberada a la atmósfera.

Interiorismo 3D

By | Acabados, Diseño, Distribución, Imágenes Realistas, Infografía 3D, interiorismo, Materiales, Mobiliario, Modelado 3D, Puntos de Luz | No hay comentarios

¿Qué tienes en la cabeza? Nada mejor que una imagen para ilustrar lo que se está pensando.

Como ya hemos hablado en otras ocasiones, programas informáticos como 3Ds Max permiten representar un espacio físico. Por lo tanto la utilidad de la infografía 3D para proyectos de interiorismo torna a imprescindible. Por ejemplo, cualquier negocio que necesite un lugar para desarrollar su actividad económica exige una planificación previa. Esta planificación le permitirá valorar las opciones más adecuadas. Digamos que se analiza el escenario donde se va a ejecutar la venta, para dotar al local de la mejor disposición posible. Aquí es donde la infografía 3D posibilita visualizar un espacio de interiorismo comercial previniendo posibles errores y ahorrando presupuesto.

Interiorismo 3D

infoarquitectura

Este método nos sirve para ver con claridad la distribución del espacio; distinguir los materiales que se van a usar; los puntos de luz o el mobiliario. Transmitir la idea de un proyecto es otra vertiente donde el interiorismo 3D tiene mucho que decir. La exposición con esta técnica facilita conocer qué tiene el diseñador/arquitecto en su cabeza. Y además ayuda a tomar una decisión favorable al cliente.

Interior Loft 2

La percepción volumétrica permite reflexionar sobre la distancia existente e introducir cambios favorables antes de empezar la obra. Otra ventaja del Interiorismo 3D es que permite acceder a diferentes puntos de vista dentro del mismo espacio. Así tomamos conciencia de la futura disposición de los elementos, y la mejor combinación de colores, revestimientos, calidades, etc.

El interiorismo 3D es fiel a la superficie y dimensiones del espacio. Se basa en los planos de distribución efectuados previamente. De esta manera pasamos del papel a la pantalla, dotando de vida a esos trazos escuetos hasta convertirlos en imágenes de gran realismo.

Interior Loft

Contáctanos si quieres conocer más acerca de las posibilidades del interiorismo 3D / Modelado 3D para la experiencia del diseño interior.

La importancia de elegir la tipografía correcta

By | Diseño, Flat Design, Fuentes con personalidad, Inkscape, Tamaño, Tendencia, Tipografía Gratuita, True Type Font, Web | No hay comentarios

La tipografía es uno de los elementos más importantes del diseño. Su personalidad está acaparando el papel protagonista en el aspecto de las webs que marcan tendencia. La clave es conseguir ese toque especial que nos desmarque del estilo de la competencia.

En los últimos tiempos hemos presenciado el alejamiento de las fuentes más convencionales como Times New Roman o Arial. Mientras que aumentaba el uso de fuentes con una fisonomía en la que destaca su fuerza y originalidad. El caso de la familia Galano, Bree Serif o las fuentes de tipo Flat Design, donde se prioriza una lectura fácil, de imagen nítida, limpia y con colores sólidos.

ReneBieder-GalanoClassic-2014dGalano Classic

Otra tendencia es mezclar diferentes tipografías en una misma composición. También se dejan ver con asiduidad las tipografías que imitan la escritura a mano. Por que aportan cercanía y un resultado de  rasgo artesanal.

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Esta clase de fuentes sumadas a otras especies de tamaño grande o de letras texturizadas son las que dominan el panorama actual. En parte dicha heterogeneidad es posible porque adquirir una tipografía de calidad para diferenciarnos del resto es asequible o incluso gratuito.

Después de leer esto, ¿te atreverías a diseñar tu propia fuente tipográfica y usarla?

Cada vez hay más recursos y aplicaciones que te brindan la oportunidad. Puedes intentarlo con un programa de software libre y gratuito como Inkscape, cuyo tutorial también te adjuntamos aquí. El editor de fuentes SVG nos permitirá crear caracteres que luego podremos convertir en un archivo True Type Font (.ttf), un tipo de fuente cuya instalación admiten la mayoría de sistemas operativos.

Si te lanzas, puedes dejarnos tu obra en los comentarios o compartirla en alguna de nuestras redes sociales.

El valor del Packaging

By | ahorro, Diseñar, embalaje, envase, funcional, Ilustrar, imagen, marca, medio ambiente, originalidad, Soporte, tendencias | No hay comentarios

¿El embalaje puede ser el mejor comunicador de nuestro producto?

La buena presencia de un producto es fundamental. Pues hace más perdurable la imagen de marca en nuestra mente y atrae la atención de nuevos usuarios.

Podemos evaluar un buen packaging teniendo en cuenta su aspecto, originalidad, reutilización, diseño y el grado de funcionalidad que nos aporte. Lo importante es que tu marca sea la estrella que más brille en el cielo. Y para conseguir resultados extraordinarios hay que realizar envases extraordinarios:

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Próximas tendencias

Las próximas tendencias en packaging buscan un equilibrio cada vez mayor entre diseño estructural y gráfico. Por diseño estructural entendemos el soporte físico, donde destacan formas simples y puras, de rápida visualización. Mientras el apartado de diseño gráfico se refiere a texto e imágenes. Y suelen utilizar mínimos recursos ornamentales, poco texto y un moderado uso del color.

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En los últimos tiempos, el packaging sostenible se ha convertido en una forma de diseñar los embalajes mucho más funcional, práctica, sencilla y menos contaminante. La cuestión que prima en este aspecto es ahorrar: ahorro para el medio ambiente; ahorro de costes en el almacenaje; la logística, en el transporte; en la fabricación y en el uso de materiales.

Ilustrar y diseñar los envases, sumado a buscar los soportes más adecuados y novedosos permite conectar con tu usuario, además de poder abarcar un nuevo público. Sin duda, es una manera ideal de promoción, y aumenta el nivel de satisfacción del consumidor respecto a la marca.

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D&AD 2014: El Mejor Diseño del Año

By | Anuario 2014, Black Pencil, Certamen Internacional, Convocatoria 2015, D&AD, Diseño, Yellow Pencil | No hay comentarios

D&AD es una asociación global que apuesta por la buena salud creativa de los anuncios. Su certamen anual está considerado como el mayor concurso de diseño y publicidad del mundo. Desde 1963 es fiel a su cita, mostrando trabajos creativos de primer nivel seleccionados por un jurado internacional y recogidos en un anuario.

2014 D&AD Annual (Taschen) es una de las mejores recopilaciones sobre diseño y publicidad del año. El libro es un recipiente que alberga diferentes perspectivas que van desde la ilustración, la tipografía o el packaging hasta capturas de vídeo. La idea es representar lo mejor que ha pasado tanto por medios Below The Line (BTL) como Above The Line (ATL).

Esta comunidad comenzó a forjarse en 1962, cuando un grupo de directores de arte  londinenses fundaron un club desde el que pretendían promover la calidad en el sector. Los premios D&AD comenzaron a entregarse un año después. Actualmente contemplan hasta 25 categorías estructuradas con un exigente jurado para designar a los ganadores.

Los criterios de valoración tienen en cuenta tres aspectos fundamentales:

  1. ¿Es la idea original e inspiradora?
  2. ¿Está ejecutada de una manera excepcional?
  3. ¿Es relevante para su contexto?

Las candidaturas premiadas con un D&AD son las que luego pasan a formar parte del anuario. Dentro de las distinciones hay diferentes niveles. Los más destacados son merecedores de una mención especial representada con el galardón Yellow Pencil. Además, no sucede por norma, algunos años se presenta a concurso un proyecto tan sobresaliente que se le distingue con el anhelado Black Pencil.

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En esta ocasión han querido hacer un anuario que “pareciera una especie de libro de hechizos”. Conceptos relacionados con la alquimia y la magia, explican Técha Noble y Emma Price autoras de la portada. “También quisimos tratar el libro como un objeto, así que la imagen se puede ver de diferente manera dependiendo del ángulo desde donde la mires. Nos gusta jugar con las imágenes”.

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Ya está abierta la convocatoria para los D&AD 2015. Los proyectos deben cumplir varios requisitos a la hora de ser presentados. Aquí te dejamos las bases y más información. ¿Por qué no participar?

Diseño sobre piel

By | Ar3D, arte, Diseño, Tatuaje | No hay comentarios

Desde antiguas culturas que lo utilizaron como creación de significados rituales o simbólicos –Egipto- pasando por el uso para marcar a criminales –Grecia- hasta el concepto del tatuaje como objeto de consumo de masas. Los tatuajes se han convertido en un complemento más de la vestimenta y el look personal. A nadie debe extrañar la posibilidad de que el tatuaje, como género, se aborde desde un prisma semiótico, donde cada tattoo sea considerado un texto gestual. Sin duda, a lo largo de la historia ha sido y es parte del proceso del ámbito de la comunicación.

El tatuaje es un gesto comprometido con el cuerpo. Cabría indagar no sólo en el mensaje de la tinta en la piel, sino cómo lo dice, en qué tiempo y con qué aspecto para entender la conexión de su discurso con el cuerpo.

En la actualidad el tatuaje se ha convertido en una forma más de arte. El cuerpo es la fachada perfecta para lucir toda clase de diseños.

No te harás marcas en el cuerpo por tus ídolos.
(Lev 19:28)

A través de los medios sociales podemos conocer el trabajo de muchos tatuadotes que operan alrededor del mundo. Y como se trata de una industria no sólo está llena de tendencias, sino de maestros. Caminamos por la senda de los que se consideran referencia hoy día por su aportación de estilo.

Chaim Machlev

Quizás el más aclamado del momento sea el alemán Chaim Machlev. Desde su estudio en Berlín juega con puntos y líneas  para tejer formas geométricas que resbalan por el cuerpo buscando su sitio de una manera hipnótica y sensual. Esto lo hace único y muy demandado, otorgando una mística gráfica a sus composiciones minimalistas.

De algún modo, al observar un diseño de Machlev crees estar asistiendo a la sensación de movimiento de la tinta.

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También ha sabido colocar otro tipo de tatuajes que le identifican como marca, es el caso de los Mandalas. Unas representaciones simbólicas donde la proporción simétrica y la naturaleza pasan a un primer plano. Y establecen una relación espiritual con referencias hacia el hinduismo y el budismo.

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Yann Black

Bajo el directo título “Your meat is mine” se nos presenta la página web del tatuador francés Yann Black. Construye obras con un carácter muy personal mezclando estilos que navegan entre el universo de Tim Burton, el cómic de líneas desgarbadas y trazos instantáneos, y su propia experiencia vital.

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Su gran baza distintiva es que no utiliza plantillas. Ya que la gran virtud de este artista es que todos los diseños los realiza a mano alzada sobre el cuerpo del cliente.

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Amanda Wachob

Amanda Wachob es una investigadora del género. De hecho su estilo lo configuró a razón de su pasión por las vanguardias europeas de primera mitad del siglo XX. Y algunos pintores como Hans Hofmann. “¿Qué pasaría si Hoffman pintara en una superficie diferente? Tras ese pensamiento tuve la iniciativa de probar con un diseño abstracto sobre la piel” confiesa la innovadora neoyorkina.

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De aquí parte su idea para desarrollar el tatuaje no figurativo y su conexión con el expresionismo abstracto. En sus trabajos se reconoce también la influencia de Jackson Pollock o Willem de Kooning.

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Wachob nos asegura que el tatuaje es “mucho más de lo que sucede en la piel de alguien”. En su caso, insufla una carga pictórica única a los dibujos que realiza sobre la piel, ejecutando líneas dinámicas regadas por puntos y figuras geométricas.

La aparente simplicidad en sus trabajos lleva detrás un estudio de la pintura y una sensibilidad artística que hacen de esta artista una de las tatuadoras más prestigiosas.

A esta lista podríamos unir otros tatuadotes de estilo peculiar como el checo Ondrash o Niko Inko, compañero de estudio de Yann Black.

Cada día la industria del tatuaje exige más a los profesionales para distinguirse dentro del mercado; el objetivo se ha convertido en marcar la piel de los clientes con algo fuera de lo común, con una pieza única, con una verdadera obra de arte.

Chaim-Machlev_01Chaim Machlev Tattoo

Icono pop

By | 75 aniversario, Ar3D, arte, Batman, Diseño, Icono cultural | No hay comentarios

La semana pasada se cumplían 75 años de la aparición del número #27 de Detective Comics en 1939. Desde entonces el mito de Batman ha sido reinventado por diferentes artistas, otorgándole una constitución poliédrica casi inagotable.

De producto banal de consumo de masas a interesante icono cultural de primer orden.

El caballero oscuro ha dejado de ser un personaje plano y puede ser revisitado desde novedosos acercamientos. Esto hace que su figura haya crecido exponencialmente para el mundo del arte y el diseño.

Vamos a reflexionar sobre algunas consideraciones que convierten al enmascarado en una creación interesante.

Rene Gagnon BatmanRene Gagnon Fine Art

La elección del murciélago por parte de Bruce Wayne como su símbolo ya le introduce un contrasentido dual, puesto que el rol de este animal en una sola categoría se antoja complicado. Por un lado Batman ofrece una patológica inclinación a la soledad y al mal, alejándose de la sociedad y recreando su propia concepción de justicia, puesto que como un murciélago sólo se identifica en sociedad cuando se dan las condiciones necesarias –la oscuridad entre ellas-. Por otro, Bruce Wayne representa el papel de un filántropo social que se preocupa por sus conciudadanos, ayudándoles desde los mecanismos que la comunidad le ofrece. Es por eso que la dualidad metafísica del personaje nos haga preguntarnos si su máscara de vida burguesa, Bruce Wayne, sea su alter ego, y en Batman radique su verdadero “yo”, en vez de al contrario.

Bill O’Neil, Batman manga, pintura acrílica y partes de manga japonés sobre lienzo, 2012..Bill O’Neil, Batman manga, pintura acrílica 2012

El diseñador e ilustrador mexicano Salvador Anguiano usando el historial prolífico de Batman ha realizado un póster recopilando diversos aspectos que ha tenido el personaje. La imagen fue hecha para el proyecto “75 años de Batman” de Poster Posse.

batman-75-small-gifGif de la obra

Con mayor profundidad hayamos un símil entre las diferentes categoría freudianas, cercana a los miedos de un niño, y su transmutación en los villanos de Gotham como razón de su reafirmación identitaria. En realidad Batman no puede eliminar totalmente a los villanos porque eso significaría la autodestrucción de sí mismo. Incluso confraterniza con ellos (La broma asesina – Alan Moore) y encuentra un punto de conexión en su dificultad para adaptarse a la sociedad. Es un caso como el de Sherlock Holmes, donde la desaparición de Moriarty conduce a la desaparición del propio Holmes.

Esta circunstancia paradójica provee a los antagonistas del hombre murciélago de una importancia motriz, ya que de una forma u otra son parte esencial de la existencia del héroe.

by Milo Shavenreu Comic ArtJoker splatter acrylic painting by Milo Shavenreu

Batman está muy presente en estos días de aniversario a través de diversas convocatorias como la de Worth1000, que proponía a sus usuarios crear imágenes donde los superhéroes más icónicos fueran trasladados a grandes pinturas de la historia.

b_640_0_16777215_00_images_2014_05-mayo_Batman_Historia_20004124_c54f_625x1000Bane by DrakeDucaine

Durante la Comic-Con de San Diego se ha inaugurado la exposición «Cape/Cowl/Create«, para celebrar los 75 años del superhéroe. Para la ocasión DC Comics pidió a un grupo de artistas y famosos que dieran su particular versión de la máscara y la capa de Batman. Os dejamos algunos resultados como este del artista Mike Perry.

Mike Perry

icono popThe Verge picture

Mirando al esférico

By | arte, Brasil, compromiso, Diseño, fútbol, Gabriel Orozco, Graffitis, Handke, Mundial, Picasso, reivindicación | No hay comentarios

Desde un prisma en tono festivo o crítico, artistas modernos y contemporáneos han hallado una opción discursiva en el fútbol. Muchos son los ejemplos. El escritor austriaco Peter Handke nos ofrece una de sus obras mayores en “El miedo del portero al penalti” (1970) donde nos cuenta la historia inventada de Josef Bloch, antiguo portero de un equipo de fútbol que es despedido de su trabajo como mecánico y debe empezar una nueva etapa en su vida por cauces tan dolorosos como desconocidos para él. Sólo los recuerdos de su época de futbolista serán capaces de presentarse ante él de un modo más o menos aprehensible.

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Dos años más tarde el propio Handke redactaría el guión de la versión cinematográfica dirigida por el alemán Wim Wenders.

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Otro caso es el de la pasión de Pablo Picasso por este deporte. Esa afición se vio reflejada en una serie de esculturas de cerámica y pinturas centradas en esta temática a principio de los `60 –footballeur– También Andy Warhol fue atraído por el fenómeno del fútbol como espectáculo de masas y plasmó varias fotografías con el rostro de Pelé -1977-.

Uno de los artistas más influyentes en las dos últimas décadas, tanto en exploración del dibujo, fotografía, escultura e instalación es Gabriel Orozco. El mexicano es un ávido viajero del mundo que hizo de “Pelota Ponchada” (1993) una de sus obras más emblemáticas.

Pelota ponchada 1993 Gabriel Orozco

El arte se vuelve más significativo cuando reivindica derechos y mueve las conciencias. “Need food, not football” rezan algunos muros de las favelas de Río, acompañado de la imagen de un niño desnutrido junto a un balón de reglamento. Pocas veces se ha visto una repulsa tan grande contra un acontecimiento deportivo en el propio escenario donde se celebra, a través de diferentes manifestaciones artísticas. Sin duda es una buena señal: en un mundo globalizado la gente cada vez es más consciente de la realidad. Los líderes políticos temen a un pueblo bien informado, o al menos saben que no pueden jugar sus cartas fraudulentas con la desvergüenza habitual.

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El viral de artistas callejeros que se han dado a la tarea de plasmar su oposición a la Copa del Mundo lo han hecho con temáticas que versan en torno a la pobreza, niños depauperados, desigualdad y descontento. Se vuelve inexplicable la urgencia por albergar un acontecimiento de tal magnitud cuando faltan hospitales, escolarización y servicios públicos fundamentales. El Mundial de las grandes cifras: 11 mil millones de dólares invertidos –el más caro de la historia-; 50 millones de pobres en Brasil. Por suerte, y gracias en parte a estas contribuciones artísticas también, ha calado el mensaje de un pueblo que prefiere conquistar unos derechos antes de ser anfitrión de un circo, incluso tratándose de un circo donde ellos reinan, el balompédico. Al observar las calles de Sao Paulo, Fortaleza o Recife por la pantalla de mi ordenador recuerdo el enorme mural que se veía desde una destartalada ventana del Tacheles –un centro cultural alternativo- en Berlín. En él se endiosaba la identidad de Brasil a través del fútbol-puro, retratando en 4 metros de pared a Ronaldo –el verdadero- haciendo un regate a un adversario. Joga Bonito culminaba, adornado con la cara de otros astros reconocibles de la canarinha por encima del emblema. En la actualidad los artistas brasileños han tomado el fútbol-mercado como insignia de las reclamaciones de un país, demostrando ser muy hábiles al recorrer el campo de la fibra sensible. Sólo faltaría que el balón no entrase, para que no hubiera anestesia, y quizás se iniciara en Brasil un antes y un después de La Copa del Mundo. Que la alegría por el sentimiento futbolístico-puro no termine por camuflar las injusticias traídas por el fútbol-mercado. Como a lo largo de la historia, las manifestaciones artísticas son el reflejo de la vida, y el fútbol en toda su complejidad tampoco es una excepción. Joga Bonito sí, pero no a cualquier precio.

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